Es ist gar nicht so lange her, da war eine Konsolen-Ankündigung etwas Besonderes: PSone, Saturn, Dream-cast, PS2, und ja – danach auch noch Wii, Xbox 360 und PS3 haben bei Konsolisten für mehr unkontrollierten Speichelfluss, Augenzucken, verzücktes Quietschen und feuchte Hände gesorgt. Für jemanden, der erst nach 2005 ins verspielte Hobby gefunden hat, ist das schwerlich nachvollziehbar, doch damals werden Konsolen und Heimcomputer noch als komplett voneinander getrennte Kosmen bebrachtet. Obwohl die zunehmende Software-Verwandtschaft zwischen Konsole und PC bereits auf der ersten Xbox zunehmend zur Normalität wird, ist Microsofts Konsolen-Erstling im vorwiegend von japanischen Gerätschaften dominierten Videospiel-Universum trotz seines (zumindest in den USA) durchschlagenen Erfolgs eine Art Anachronismus, denn die Mega-Seller für Joypads kommen immer noch entweder aus Japan oder fühlen sich zumindest irgendwie japanisch an, unterscheiden sich in Design und Gestaltung noch immer wesentlich vom Maus- und Keyboard-Organismus eines Computers. 

Doch heute ist alles anders: Die galoppierende Veronlinung auch im Konsolenbereich (hier war Microsoft mit seiner ersten Xbox DER Vorreiter) hat das Gesicht des Spielemarkts ebenso verändert wie die neue Mobilität, die große VerApple'ung, Browser-Games, Free2Play und die Anschlusschwierigkeiten einstiger japanischer Star-Entwickler an die Generation HD. Die Gerätefronten sind heute zumindest auf User-seitig empfundener Ebenen weniger verhärtet: Wo man spielt, ist meistens Jacke wie Hose und vor allem eine Komfort- bzw. Geduldsfrage – je nachdem wie viel Bürokratie man zu ertragen bereit ist, um auf einem PC die hübschere Version eines Titels zu erleben.

Philips' CDi und Trip Hawkins's 3DO wollten bereits Anfang der 90er umsetzen, was erst jetzt und dank der weltweiten Vernetzung zumindest halbwegs Realität ist: Multimedia. Wir streamen unsere Daten über mobile Entertainment-Hubs wie das iPad überall hin, greifen via Apple TV auf unsere Macbook-Filmsammlung zu, speichern Daten bequem in der Cloud oder schließen unseren multimedial hochgerüsteten PC an Wohnzimmer-Heimkino an. 

Doch die bereits vor 20 Jahren von EA/3DO-Gründer Hawkins propagierte All-In-One-Box, die all diese Möglichkeiten unter einer Chassis vereint, fehlt noch immer. Da verwundert es kaum, dass der Konzern ausgerechnet des Mannes, der sich für das Wohnzimmer bereits seit langem eine ähnliche Lösung wünscht, jetzt in genau diese Richtung steuert: Bill Gates' Firma verwandelt seine Spielkonsole in ein Multimedia-Center. Die Tatsache, dass nach der "XBox One"-Enthüllung am 21. Mai ein regelrechter Shitstorm über Redmond aufzieht, ist vermutlich weniger dem Konzept ansich als vielmehr seiner saudämlichen Präsentation zu verdanken. Unter weniger aufgeregten Umständen wäre eine allmähliche Ergänzung des ohnehin schon stattlichen Multimedia-Angebots vielleicht gut angekommen, wäre eine "Halo"-Serie von Spielberg eingeschlagen wie eine Bombe und hätte man sich über die Möglichkeit, das Ding mit dem Fernseh-Empfänger zu verstöpseln und dem Social-Media-Wahn zu frönen, zumindest ein bisschen gefreut – doch Microsoft vergisst bei seinen gegelten, geleckten und auf gezwungen dynamischen Industrie-Chique getrimmten Veranstaltungen immer wieder, dass die Marke Xbox in erster Linie für SPIELE steht – Gaming comes first! Aktionäre und verständige Analysten mögen sich von multimedialm Firlefanz und Kinect als Alleinstellungsmerkmal halbwegs beeindrucken lassen – doch das Gros derjenigen, die sich per Live-Stream zuschalten, kommt noch immer aus dem Gaming-Lager, und hier fühlt man sich zusehends vergackeiert, weil chronisch vernachlässigt. Auch Sony hat seine PS3 multimedialisiert und wird auf der PS4 ohne Zweifel entsprechend nachziehen – aber zumindest ist man hier schlau genug, diese heute fast schon selbstverständlichen Gimmicks nicht als Kern-Feature zu verkaufen. Klarer Fall: Präsentationen kommunizieren, auf welche Platzierung im Markt man es abgesehen hat – und gerade hierbei verspielt man leicht Sympathien. 

Ähnlich abstrus mutet die sture Weigerung an, endlich das klägliche Scheitern des Kinect-Experiments einzugestehen: Zwar verweist man in Redmond immer wieder gerne auf die stattlichen 18 Mio. verkauften Kameras (demnach besitzt fast jeder dritte Xbox'ler so ein Ding), doch die unterirdischen Verkaufszahlen bei den kinectischen Spielen kehrt man unter den Teppich.

Zahnräder rattern, Dampfleitungen zischen, mechanische Rösser schnauben und Hochbahnen preschen quietschend über Achterbahn-artig gewundene Stahlträger, die irgendwo in den Wolken verschwinden. Von grellen Plakaten verzierte und verschnörkelte Hausfassaden heben und senken sich, während die gewaltigen Motoren unter den fliegenden Gebäude-Komplexen röhrend gegen die Schwerkraft kämpfen: Die fliegende Dampfmaschinen-Megacity von Irrational Games ist der Spielplatz für den fantasievollsten und wichtigsten Ego-Shooter der letzten zehn Jahre. Doch die Abenteuer von Pinkerton-Agent Booker DeWitt und seinem Schützling Elizabeth sind nicht nur effektvoll und unterhaltsam, sie sind vor allem extrem aussagestark: Nachdem über das Spiel selber und sein interaktives Regelwerk in den vergangenen Wochen und Monaten so ziemlich alles geschrieben wurde, was es zu schreiben gibt, versuchen wir uns nach mehrfachem Durchspielen und intensiven Studium von artverwandtem Referenzmaterial an einer Interpretation des Themas. Obwohl wir uns nach Kräften darum bemüht haben, unsere kleine Reflexion frei zu halten von allzu deutlichen Spoilern, ließen sich viele Themenkomplexe nicht verarbeiten, um bei einigen Zitaten vorzugreifen. Darum eine deutliche Warnung an alle, die ihr 'Erstes Mal' noch immer vor sich haben: Wer sich von den Ereignissen in Columbia überraschen lassen will, der sollte das Studium unserer 'Columbianischen Essays' auf einen späteren Zeitpunkt verschieben. Für alle anderen: Viel Spaß beim Kopfzerbrechen!

Als Spiele-Redakteur verbringt man das Gros der Arbeitszeit (und das der 'Freizeit' ebenfalls) damit, die Spiele zu beschreiben, zu protraiteren und zu kritisieren, die andere entwickelt haben – man frönt dem seit Jahrhunderten zweifelhaften Vorrecht des Kritikers, den kreativen Output von anderen zu reflektieren (oder ihn auch einfach in die Pfanne zu hauen), ohne dass man selber auch annähernd ähnliches auf die Tapete, die Leinwand, die weißen Seiten oder eben die Mattscheibe bringen könnte. Eine Ausnahme dieser Regel bildet allenfalls manch ein Buchkritiker: Diese älteste Art der Kritik hat selber einige große Schreiberlinge hervorgebracht, und nicht selten füllt ihre Schilderung eines beispielhaften Werks ähnlich viele Seiten wie das behandelte Original.

Doch die wenigsten Theater- bzw. Filmkritiker sind selber Schauspieler, kaum ein Kunstkritiker bringt mehr als ein schiefes Strichmännchen zustande und Kritiker der zockenden Zunft können in der Regel keine Spiele programmieren. Die zugrundeliegende Annahme hinter dem Phänomen der Kritik ist die, dass ein Rezipient nicht zwangsläufig die Fertigkeiten des Kreativschaffenden mitbringen muss, um dessen Werk zu beurteilen, weil der im Moment der Veräußerung sein geistiges Eigentumsrecht auf seine Schöpfung aufgibt – es wird genauso zum Hab und Gut des Käufers, Betrachters oder Lesers, dessen Meinung ab diesem Moment ebenso viel gilt wie die des Schöpfers. Längst nicht jeder Kreativschaffende versteht diese elementare Vereinbarung zwischen Schöpfer und Konsument, zwischen Künstler und Rezipient, zwischen Kreativling und Kreativ-kritisierendem. Viele beharren auf ihrem Vorrecht, das durch sie ins Leben gerufene Werk als einzige richtig zu verstehen und zu deuten. Doch das ist falsch: Wer sich dazu entscheidet, seine geistigen Früchte mit anderen zu teilen, der muss auch damit leben können, wenn diese anderen damit auf ihre ganz eigene Art und Weise verfahren. Wer ein Auto verschenkt, der darf vielleicht darauf hoffen, dass man sein Geschenk wertschätzt – doch ob es dann gegen eine Wand gefahren wird oder nicht, das entscheidet ab dem Moment der Schenkung allein der Beschenkte.

Mit Gedanken und Definitionen wie diesen schlägt man sich zwangsläufig herum, wenn man sich als Rezipient, Konsument oder Kritiker dazu entscheidet, die Seiten zu wechseln – wenn man sich dazu entschließt, nicht mehr nur kreativen Output in zweiter Instanz zu produzieren, sondern seine Zeit damit zu verbringen, das zu erschaffen, worüber man sonst nur nachgedacht und geschrieben hat. In meinem Falle heißt das: Wenn ich nicht nur andere Spiele verreiße, sondern etwas fabriziere, das ich dann nachher zum Abschuss durch die anderen Kritiker-Kollegen freigeben muss.

Dabei ist mein von vielen (vielleicht nicht ganz zu Unrecht) belächeltes iOS-Projekt "Crab Hunter" nicht nur aus dem Ehrgeiz und dem naiven Wunsch heraus geboren, endlich selber ein Spiel zu entwickeln (ein Wunsch, den wohl jeder passionierte Zocker früher oder später hegt), sondern es ist zugleich Experiment, Feldstudie und Selbstversuch: Wie fühlt es sich an, ein Spiel zu entwickeln? Wie funktioniert das überhaupt? Mit welchen Ärger- und Hindernissen muss sich ein Entwickler rumschlagen, über die man als Kritiker so gerne skrupellos urteilt, ohne sie zu verstehen oder auch nur ihre Ursprünge zu kennen? Nun ist ein 2D-Action-RPG, das von einer Person entwickelt wird, nicht annähernd vergleichbar mit einem ultra-polygonalen "Assassin's Creed 3", für dessen Entstehung sich gleich hunderte Spiele-Profis in kreative Lege-Batterien quetschen lassen, um auf Knopfdruck große Interaktiv-Kunst zu vollbringen, damit am Ende des Tages eine deutsche Redakteurs-Pappnase wie meine Wenigkeit darüber unkt, dass er das Kampfsystem kacke findet oder hinter dem dritten Baum von rechts lieber Vergissmeinnicht als Gänseblümchen gehabt hätte.

Aber vermutlich ist das kleine "Crab Hunter" der beste, unmittelbarste und authentischste Eindruck, den jemand wie ich je von der Spiele-Entwicklung bekommen wird – denn die Einreihung in eine gigantische Kreativ-Fabrik, bei denen Zehennägel und Wagenräder von 20 unterschiedlichen Personen modelliert und lackiert werden, ist nicht mein Ding. Ich bin Kontroll-Fetischist und Kreativ-Narzist, der durchdreht, wenn er auch nur einziger Pixel nicht genauso aussieht wie er ihn sich vorgestellt hat. Das ist auch gut und schön, solange der kreative Output keine nennenswerten Interaktiv-Komponenten hat und keine "digitalen Lebensformen" gebiert, die ein gespenstisches Eigenleben entwickeln und wie ein unartiges Kind immer genau das tun, was sie nicht tun sollen. Die schiere 'bastlerische' Herausforderung, die so eine kleine per Eigen-Eingabe erlebbare Pixel-Mär für ihren Autoren bereithält, ist enorm und bereitet ebenso viel diebisches Vergnügen wie furchtbaren Frust, wenn die Schöpfung enttäuscht oder man sich eingestehen muss, dass sie nicht dem Qualitätsstandard standhalten kann, den man als Kritiker für die Produkte anderer voraussetzt. Man findet heraus, dass Dinge, die einem zuvor utopisch erschienen, überraschend einfach sind, während andere, scheinbar simple Aufgaben bereits im Ansatz zur Nervenzerreissprobe geraten. Da ist ein vernünftiger Ein- und Level-Austritt auf einmal schwieriger zu realisieren als die Gegner-KI oder wird es zur Fummel-Orgie, dass physikalische Modell der Entwicklungs-Umgebung außer Kraft zu setzen, wenn der Held abtritt, damit seine Überreste nicht in der Sekunde bis zum Level-Wechsel von den Gegnern rumgeschubst werden. Oder wundert man sich darüber, dass der Energiebalken von Boss-Krabbe A plötzlich über Boss-Krabbe B erscheint und die Kugel aus Level 5 immer und immer wieder auftaucht, obwohl sie längst eingesammelt wurde. Kurzum: Man schlägt sich mit Problemen herum, die im echten Leben ihr Äquivalent in all den kleinen, aber nervigen Schusseligkeiten und Ärgernissen finden, die für sich genommen unbedeutend sind, bei gehäuftem Auftreten aber dafür sorgen können, dass man lieber mit dem Fön als dem Quitschentchen in die Badewanne steigt.

Trotzdem wollte ich es bereits bei meinem ersten Spiel ganz genau wissen: Touchscreen-Spielerein der einfachsten und casualisierten Sorte kamen für mich nicht in Frage, weil ich sie selber nicht spielen würde. Darum konnte es für mich als alten Extrem-Rollenspieler nur ein Action-RPG werden, wie ich es auf den mobilen Plattformen bis heute vermisse. Ein "Action RPG to go", das die Features dieser Spiel-Art bis auf ihre Essenz reduziert, damit man es immer und überall begrabbeln kann. Für fünf oder zehn Minuten im Bus leveln können und sich dann auf die nächsten "Crab Hunter"-Pause freuen, ohne sich dabei Gedanken über Story-Beiwerk oder ein überkomplexes Regelwerk machen zu müssen – denn das gehört in meiner Gedankenwelt nicht auf mobile Daddel-Gerätschaften, sondern auf die Konsolen und den Spiele-PC unter meinem HDTV. Doch das allerwichtigste: Die Touchscreen-Steuerung sollte sich völlig natürlich anfühlen und ohne nervige Onscreen-Elemente auskommen, die mehr schlecht als recht ein Joaypad simulieren. Bereits früh entschied ich mich dafür, dass mein Held dorthin wetzen würde, wo man den Touscreen berührt, während ein zweites Antippen an beliebiger Stelle die Attacke auslösen sollte. 

Die Folge dieser Komfort-Prämisse waren einige ungewöhnliche Entscheidungen beim Spielkonzept: Präzise gezielte und getimte Attacken sind auf Touchscreens nur schwierig auszuführen, darum entschied ich mich gegen jegliche Form von Blick- und Angriffszielrichtung. Stattdessen würde mein Held einfach einen flotten Rundumschlag ausführen, der alles trifft, was sich neben und unter ihm befindet. Das wiederum legte nahe, dass er nicht gegen einige wenige Feinde kämpfen, sondern sich durch ganze Gegnerhorden pflügen und dabei in fast schon absurd hohe Regionen leveln würde: Mein Spiel sollte eine Karikatur der großen EP- und Level-Schlachten werden, in der man sich nicht auf Level 10, 20 oder 30, sondern bis Stufe 100, 200, 300 oder gar 1.000 hochmetzelt! Und um die Absurdidität auf die Spitze zu treiben, sollte man bei einem erfolglosen Kampf gegen den Endgegner alle mühsam erkämpften Levels wieder verlieren – bis auf die, die man vorher auf einem speziellen Account speichert. Auf diese Weise werden die Levels als das entlarvt, was sie eigentlich seit jeher sind: Kein Tool, um das Profil von Figuren zu schärfen und sie zu individualisieren, sondern ein Ersatz für den guten alten Highscore – eine Währung, an der Gamer ihre Kompetenz und (im Falles eines Rollenspiels) nicht zuletzt ihre Geduld messen. Warum also den Level-Bestand nicht in ähnliche Regionen hochtreiben wie einen klassischen Highscore? Und warum den Helden nicht gleich zu dem degradieren, was er in Wahrheit ist: Keine hochtrabende, tragische Identifkationsfigur, sondern ein User-Interface für die Gegner-Bekämpfung und den grassierende EP- bzw. Level-Wahnsinn. Mein Held würde kein Gesicht und keine neckischen Accessoires wie Gürtel, schicke Schnallen oder Shoulder-Pads tragen, sondern als aufs Wesentliche zusammengestrichenes Piktogramm-Männlein mit Pott-Helm durch die Pampa schnetzeln, während seine ungleich detaillierteren Gegner die eigentlichen Stars der Metzelorgie sind: Jede dumme kleine Krabbe würde mehr Persönlichkeit in ihrer Schere haben als der Held in seiner leeren, nichtssagenden Visage. 

Dieses Zitat auf generische Metzel-Maschinen brachte mich zu guter letzt auf ein Bild, das mich besonders während meiner Jugend fasziniert hatte: Ein muskelbepackter Barbar pflügt mit Axt oder Schwert durch unzählige Gegner, während dem Betrachter Blutzspritzer und Körperteile entgegen fliegen. Prototypen dieses gängigen Klischees sind die Figuren von Robert E. Howard – Kull von Atlantis und Conan. Darum zitierte ich in Vor- und Abspann Phrasen aus De Laurentiis' Film, verfremdete sie und überspitzte sie. Aus einer "Jeweled Crown" wurde die "Crusty Crown", aus "Aquilonia" wurde "Clawlonia". Die Persiflage würde die scheinbare Tiefsinnigkeit des Originals ad absurdum führen, weil sie in Wahrheit genauso blödsinnig ist. 

Doch aller Metzel-Freudigkeit zum Trotz erkannte ich bereits früh, dass das Schwertschwingen allein zu wenig wäre, um die Spieler bei Laune zu halten – ein zusätzliches Spielelement musste her, das für einen steten Wechsel aus Spannung und Entspannung sorgen könnte. Darum verschießt der kleine 'Crab Hunter' jetzt Kokon-Bällchen, die den Krabben die Scheren verkleben, sodass die Krustentiere für einige Sekunden hilflos sind und keinen Schaden mehr austeilen können. Auf diese Weise kann der 'Hunter' auch dann die stärkeren Krabbenmodelle besiegen, wenn sein Level für eine direkte Konfrontation noch zu niedrig ist – er muss nur schnell genug sein und das Level-Layout zu seinem Vorteil nutzen. Auf die Touchscreen-seitige Lösung dieses Kniffs bin ich besonders stolz: Mit einem Finger hält man die Figur fest (das ist quasi das Gegenstück zum Shift-seitigen Feststellen eines "Diablo"-Charakters), mit dem anderen streicht man in die Richtung der Ziele. Das Resultat: Man kann in jede beliebige Richtung ballern und die Flugrichtung der Bällchen selbst dann noch beinflussen, wenn man sie längst abgeschossen hat, um so viele Krabben wie möglich mit einer Salve zu erwischen. 

Das erfordert zwar anfangs ein bisschen Übung, hat aber sowohl bei mir als auch bei meinen Probanten (danke an alle!) für genau die Sorte Suchteffekt gesorgt, auf den ich es abgesehen hatte… (rb)

(to be continued)

"CRAB HUNTER" ist seit dem 22. März für iPhone und iPod Touch (idealerweise Geräte der fünften oder vierten Generation) im App Store zu haben, speziell auf iPad und Macintosh zugeschnittene Versionen folgen.

Joho, und ne Buddel voll Rum: Mit "Assassin's Creed 4" sticht Ubisoft in die Piratensee vor. Held des neuen Abenteuers, in dem Edward Kenway (der Vater von Haytham Kenway aus "AC3") einen skrupellosen Freibeuter und den bekutteten Meuchelmörder gibt. Mentor des seefahrenden Assassinen ist kein geringerer als der legendäre Kapitän Blackbeard, der im ersten Trailer-Video zur karibischen Killer-Mär Halunken für Kenways Mannschaft anheuert. Obwohl der Meister-Assassine die karibischen Archipele vor allem an Land nach Schätzen durchforsten und an unterschiedlichen Inseln vor Anker gehen darf, um dort z.B. Halunken-Nester oder Maya-Ruinen zu filzen, soll er satte 40 Prozent des Spiels auf hoher See verbringen – entweder mit Planken unter den Füßen oder schwimmend. Der Sprung vom Schiffsdeck ins kalte Wasser soll anders als in Teil 3 ladenpausenfrei sein.

Was hat die arme Lara nicht alles über sich ergehen lassen müssen: Seitdem die Herrin über Croft Manor 1996 zum ersten Mal durch die polygonale Pampa gehetzt wurde und parellel zum Nintendo-Klempner (in "Super Mario 64") eine neue Generation des frei begehbaren 3D-Spielsplatzes einläutete, ist sie nicht nur zur ausgesprochenen Serien-Täterin, sondern zur ersten weltweit gefeierten, digitalen Pop-Ikone geworden. Comics, Filme, Action-Figuren und sogar ihre eigenen 'offziellen Models' hatte die dralle Extrem-Archäologin, bis sie schließlich zunehmend in Ungnade fiel. Denn während sie sich lasziv auf Playboy-Covers räkelte und eine neue Ära der verspielten Helden-Vermarktung einläutete, schienen ihre Teams bei Eidos und Core-Design vergessen zu haben, dass die hübsche Action-Mistress ihren Erfolg nicht allein der imposanten Oberweite und den braunen Rehaugen zu verdanken hatte. Noch mehr als ihr vorteilhaftes (wenn auch zunächst noch reichlich kantiges) Äußeres war es ihr erster revolutionärer Spielauftritt, der ihr 1996 zum Durchbruch verhalf: Anders als die meisten anderen offenen 3D-Spielwelten der damaligen Zeit war die "Tomb Raider"-Welt nicht flach – sie hatte Berge und Felsmassive, Täler und Schluchten, Höhen und Tiefen. Aus zwei Bewegungs-Dimensionen wurden zum ersten Mal wahrhaftig drei, denn Lara lief nicht nur vorwärts, rückwärts, seitwärts – sie kraxelte Steilwände und Hügel empor, tänzelte über Hängebrücken und schmale Simse oder stürzte in bodenlose Tiefen. In "Tomb Raider" verspürten Computer- und Videospieler zum ersten Mal echte Schwindelgefühle und fast körperlichen Schmerz, wenn ihr Konterfei mit Karacho dem Boden entgegen raste, um – einmal unten angekomen – die zerschundenen Gliedmaßen zu verdrehen… wie bei einer Marionette, der man die Fäden abgeschnitten hat. Ein Bild also, das – obwohl damals noch blockiger, klobiger und unbeholfener präsentiert als heute – dem echten Tod verblüffend nahe zu kommen schien und umso mehr Kraft in sich barg, weil es auf morbide Weise illustrierte, was mit einem Avatar (bzw. Körper) passiert, wenn man seine Verbindung zum Kontrolleur (der Seele) kappt. 

Auch wer das für esoterifizierten Dummfug hält, muss zugeben: "Tomb Raider" hat die moderne Ära des Third-Person und 3D-Spiels maßgeblich mitgestaltet – darum waren die Erwartungen an Laras nächste Abenteuer entsprechend groß. Leider trat Lady Croft exakt zehn Jahre lang auf der Stelle: Teil 2 bis 5 waren eher jährliche Level-Updates denn vollwertige Fortsetzungen, und das unterirdisch verbugte "Angel of Darkness", das die Serie hätte neu erfinden sollen, war beinahe ihr Todesstoß. Bis endlich "Legacy of Kain"-Macher Crystal Dynamics übernahm und damit Serien-Erfinder Core Design ablöste, der ohne sein Zugpferdchen "Tomb Raider" rasant in der Anonymität verschwand (heute gehört der Entwickler zu 'Rebellion'). Und Crystal Dynamics machte genau das, was die Fans erwarteten: Extrem-archäologische Lara-Abenteuer im ursprünglichsten Sinne der Serie – bombastischer und besser denn je, aber trotzdem nicht mehr ansatzweise so erfolgreich wie zu "Tomb Raider"-Bestzeiten. 

Was war also los? Warum ließen epische Breitwand-Abenteuer wie ein "Tomb Raider Underworld" die Fans und neuerdings sogar viele Journalisten kalt? War der Lack endgültig ab? War die Kombination aus virtuellem Klettermaxe und digitalisiertem, toughem Busenwunder einfach out? Oder litt die gealterte Herrin über Croft Manor schließlich unter dem selben Stigma wie so viele Serien- und Franchise-Größen vor ihr? Hatte auch sie sich im Lauf der Jahre derart im Sumpf der eigenen Medien-Produkte verfranzt, dass die Fans schließlich gar nicht mehr wussten, wofür Lara überhaupt steht? 

(SEGA / Gearbox • Xbox 360, PS3, PC • ein bis zwölf Spieler)